FOTOGRAFÍA

Getxophoto – Festival de artes visuales.

Exposiciones, encuentros y actividades. Con las obras de los artistas franceses Jérémie Nassif, Guillaume Bression, Luce Lebart y Matthew Pillsbury.  

Del 1 de septiembre al 2 de octubre, Getxo.

Inauguración (inscripción previa): viernes 2 de septiembre.

GETXOPHOTO cumple en septiembre de 2016, 10 años de existencia. Dado este gran evento, GETXOPHOTO propone centrar su festival de artes visuales sobre el tema del tiempo. Hace 10 años  que este Festival de fotografía de Getxo apuesta por la utilización de formatos, soportes y espacios no convencionales para hacer circular las imágenes. Es un festival temático que trabaja de la mano de un comisario invitado cada tres años y que entiende la fotografía como una herramienta de conocimiento, comunicación y, por supuesto, goce estético.

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Este año será una edición muy especial puesto que será comisariada por primera vez por el actual director del festival, Jokin Aspuru. Contará en su equipo de programación artística con los que han sido hasta ahora los tres comisarios del Festival: Alejandro Castellote, Frank Kalero y Christian Caujolle.

INAUGURACIÓN: Viernes 2 de septiembre, 19h30Escuela de Música Andrés Isasi, Las Arenas, GETXO. INSCRIPCIÓN PREVIA.

 

GETXOPHOTO apuesta por la exploración y la experimentación de formatos y lugares expositivos, de los cuales son mayoritariamente espacios públicos. No se trata de adornar la ciudad sino de intervenirla para contar historias a través de imágenes especialmente elegidas. Utilizando desde fachadas hasta escaparates, pasando por contenedores, bares, patios o edificios, GETXOPHOTO quiere acercar distintas miradas a los ciudadanos y no sólo ubicar las fotografías como obras para ser observadas, sino generar emociones en torno a ellas: complicidad, cuestionamiento, vínculo entre las personas y las imágenes, vecinos y visitantes.

 

 

 

El festival tiene cada vez más una clara vocación internacional. Todos los años han participado artistas y fotógrafos franceses.

 

 

 

Durante un mes, la ciudad de Getxo, además de exponer fotografías en las zonas más curiosas de la ciudad, propone un fuerte componente pedagógico y acoge talleres, visitas guiadas, presentaciones, proyecciones y conferencias.

 

Artistas franceses presentes:

 

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Jérémie Nassif:

La obra: No es extraño que un fotógrafo que ha trabajado en el cine realizando foto fija con importantes directores como Claude Chabrol o Michael Haneke demuestre este inusitado interés por el tiempo y el movimiento. Pero, ¿cómo traducir este movimiento en una imagen fija? Nassif lo hace con un inconfundible estilo propio que roza lo pictórico y  que viene aplicando desde hace algunos años al desnudo, al retrato, a la danza o al mundo ecuestre con gran eficacia estética. En Académie Equestre Versailles puede leerse en clave de homenaje al célebre Muybridge y sus famosas fotografías secuenciales de carácter científico, pero Nassif camina por otros derroteros. Hay una clara voluntad, como él mismo indica, por extender el tiempo en la imagen, por reflejar una realidad que va más allá de una fracción de segundo. Como señala José Alvarez cuando se refiere a la obra de Nassif, el “momento decisivo” amado por Cartier-Bresson no es apropiado en este caso; para el autor es mucho más relevante el “momento expresivo” contenido en un acto fugaz, una verdad concentrada y totalmente dictada por la acción.

Biografía: Nacido en Boulogne-Billancourt, Francia, en 1971. Vive y trabaja en París. Tras estudiar Cine en la Université de Paris en 1991, empezó a trabajar como foto fija en algunas películas de directores como Claude Chabrol, Michael Haneke o Bertrand Tavernier. En 2002 dirigió su primer corto y exhibió una serie de fotomontajes en Boulogne. Esto se convirtió más tarde en un vídeo que fue proyectado en un cine porno de París. Su trabajo ha sido expuesto en Biarritz en 2010, en la Maison Européenne de la Photographie en 2012 y recientemente en la galería Sit Down de París.

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Carlos Ayesta & Guillaume Bression:

La obra: El escritor sueco Henning Mankell escribió su novela póstuma, Arenas Movedizas, enfermo de cáncer. Muy afectado por el legado que dejaremos a las siguientes generaciones, mostraba una gran preocupación por los residuos nucleares. Se calcula que se necesitan nada más ni nada menos que 100.000 años para que la radiación desaparezca. ¿Cuánto dura la eternidad?, se preguntaba entonces Mankell.

Varios años después del tsunami y la catástrofe nuclear posterior en Fukushima, la naturaleza se está apoderando de manera perturbadora de la ciudad que fue abandonada en estampida de un día para otro y que actualmente permanece deshabitada. Casas, calles, coches o carreteras son ahora víctimas de enredaderas y maleza, de una naturaleza implacable que les desprovee de sus funciones originales, generando así un nuevo paisaje contaminado que nos recuerda lo efímera y frágil que puede ser la vida humana. 

Carlos Ayesta y Guillaume Bression han realizado visitas regulares a la denominada tierra de nadie en torno a la central afectada y han generado varias series de gran potencia visual y de denuncia que plantean numerosos interrogantes: ¿Qué será de la gente forzada a abandonar su hogar? ¿Cómo se puede vivir con una amenaza invisible como la radioactividad? ¿Qué mundo heredarán nuestros hijos?

Biografías: Carlos Ayesta (Caracas, 1985) trabaja como fotógrafo especializado en arquitectura. Guillaume Bression (París, 1980) se inició en la fotografía en 2008 y creó el colectivo que forman ambos junto a Audrey Boehly. Su serieFukushima, No Go Zone ha sido expuesta en festivales como Fotofever o Voies Off de Arlés, seleccionada en el Environmental Photographer of the Year de Gran Bretaña y finalista en el Roger Pic Award. En junio de 2016 tuvo lugar una retrospectiva de su trabajo en la galería Chanel Nexus Hall de Tokio.

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Luce Lebart:

La obra: El moho es el enemigo número uno del archivo. Es un factor de riesgo y un agente de deterioro contra el que luchar. En este sentido, su potencial creativo está injustamente olvidado y sin embargo, desde los albores del tiempo, el poder de transformación de los microorganismos se ha utilizado para producir vino, cerveza, pan y queso.

En un texto escrito en 1856 por Victor Regnault, un químico y el primer presidente de la Sociedad Francesa de Fotografía, dedicado a la investigación de la estabilidad del proceso fotográfico, insistió en que sólo el tiempo podría determinar el mantenimiento de un determinado proceso fotográfico.

Creadas por negligencia y falta de interés, estas imágenes que fueron dañadas por una antigua inundación y privadas de la luz durante muchos años, se transformaron en maravillas del olvido. En la soledad de su confinamiento, los recursos orgánicos utilizados en su proceso fotográfico (gelatina y almidón de patata) supusieron un caldo de cultivo para la proliferación creativa aleatoria. Hoy en día, presentadas para su contemplación, nos recuerdan cómo las cualidades estéticas de una fotografía son decididamente independientes de la voluntad de la artista Luce Lebart.

Biografía: Nacida en Asnières-sur-Seine, Francia, vive y trabaja en París. Historiadora, comisaria y autora, es también directora de las colecciones de la Sociedad Francesa de Fotografía. Su obra alude a la fotografía, a la experimentación y a la estética de las pruebas y las alteraciones. Trabaja rescatando colecciones olvidadas. Ha publicado recientemente La guerre des gosses de Léon Gimpel y editado junto a Poursuite los libros Beautés d’archive, Souvenirs du Sphinx y Mold is Beautiful. Su próximo libro, Lady Liberty, será publicado en el contexto de la muestra comisariada junto a Sam Stourdzé para Les Rencontres d’Arles 2016.

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Matthew Pillsbury:

La obra: El registro del paso del tiempo es una de la obsesiones de Matthew Pillsbury. Con un estilo y resultado visual inconfundibles, lleva más de una década fotografiando museos de todo el mundo y a sus visitantes. Fija su mirada en lugares donde la presencia constante e invariable de la obra artística y el espacio que las acoge se cruza con el deambular de los espectadores. Las obras de arte y las imponentes arquitecturas permanecen quietas, inmutables, ajenas al paso del tiempo mientras que los visitantes en perpetuo movimiento se convierten en imprecisos recuerdos, en fantasmas del pasado.

Utilizando una técnica aparentemente sencilla como las largas exposiciones y sólo la luz disponible, Pillsbury consigue, con gran habilidad, traducir las horas en una sola fotografía, registrar un tiempo físico y psicológico, mostrar las cosas de una manera que nosotros mismos no podemos ver. Nos regala unas imágenes de estética única que, además de elegantes documentos sobre estos espacios, son sobre todo registros visuales que no dejan de recordarnos la evanescencia y transitoriedad de la actividad humana.

Biografía: Nacido en Neuilly, Francia, en 1973, vive y trabaja en Nueva York. Se graduó con honores en Historia y Economía en la École Alsacienne de París en 1991 y posteriormente estudió Arte en Yale University y en The School of Visual Arts de Nueva York. Su trabajo ha sido expuesto individual y colectivamente a nivel internacional y forma parte de colecciones como la del Musée du Louvre, Guggenheim Museum, The Victoria & Albert Museum o Tate Modern. Ha publicado, además, en numerosos medios como The New York Times o La Repubblica y en 2014 obtuvo la beca Guggenheim Memorial Foundation.

 

Más información

 

 


 

Presentación en francés, con traducción al castellano.

Entrada libre.

LUGAR: Getxo

 

Una colaboración entre: 

 

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